宋朝审美,为何领先世界千年?

宋朝审美,为何领先世界千年?

史学大师陈寅恪曾言:

「华夏民族之文化,历数千载之演进,造极于赵宋之世」

。意思是,宋朝——

是千百年来华夏文化的巅峰。

如果说盛唐表现出雄壮豪迈,气象万千,金戈铁马的强者之态;

那么宋代则展现出闲适淡雅,宁静飘逸,绵软细腻的柔弱之姿,一直给人以「积贫积弱」的印象。

然而这并非历史的全部。事实上,赵宋国祚绵延三百余年,虽战乱不断,家国沉浮,但却是历史上经济最繁荣、大发1分快三最发达、文化最昌盛、艺术最高深、人民最富裕的朝代。

在深厚的物质财富和文化底蕴之上,无论诗词歌赋,还是字画瓷器,神韵形态都达到历史巅峰。

论及生活的雅致和审美的品位,甚至千年之后也难望其项背。

「宋代」如今已不再只是朝代的名称,而演变成了艺术史中一个独特的美学符号。

宋朝对美的感受和追求是自上而下的,宋徽宗就曾亲自编撰《宣和书谱》和《宣和画谱》,完整整理前世收藏的书法和绘画。

「穠芳依翠萼,焕烂一庭中,零露霑如醉,残霞照似融。丹青难下笔,造化独留功,舞蝶迷香径,翩翩逐晚风」。不由令人感叹,一个帝王竟对美有着如此细腻的体悟。

宋历代君王都崇尚「文治」。

成熟的哲学思想,赋予宋代美学以强烈的人文精神,和至纯至雅的独特风貌,成就了中国传统审美的文化之源。

下面就从形而上的

诗词歌赋、山水书法

过渡到形而下的器具用度

生活四艺,带你真正领略宋代

领先千年的极致审美和雅致生活

1

宋 | 诗词歌赋

宋代借三百年昌运盛世,文人雅士烟云供养,或隐居山林,或旷游自然,将对自然的感悟融入禅意生活和文学创作之中。

宋词无疑是极美的:

既有「三秋桂子十里荷花」的西湖胜景;也有「宝马雕车香满路」的城市繁华。

既有「红酥手,黄滕酒」的甜蜜;也有「明月夜,短松冈」的悲伤。

既有「无可奈何花落去」的惆怅;也有「一蓑烟雨任平生」的旷达。

可以「一种相思,两处闲愁」,更可以「金戈铁马,气吞万里如虎」。

如果说唐代鼎盛的背景下,诗歌充满了青春、自由而欢乐的氛围。那么及至两宋,时代精神不在于建功立业,而在于现世人生,不强调世间万物,独在意个人心境。

清雅的宋词随之兴盛。

最早的词是文人写给歌伎传唱的曲子,后来就形成长短不齐的固定句式,对景物进行细致的描述,表达复杂的心境。

王国维在《人间词话》中言:「词以境界为最上」。

境界是什么?

就是真景物和真感情。

很多流传千古的好词,都是借助其它事物,委婉含蓄地传递情感,体现了某种胸怀和心境。

例如诗人韦庄,擅借美人来表达情感,通过写美人思离别,以此来哀悼唐朝的灭亡。

辛弃疾则好用历史典故来表达个人志向。

比如,不直白地说要收复失地,而是十分巧妙地用「举头西北浮云,倚天万里须长剑」这样的词句表达。

无论是盛唐之音,还是宋词之意,其实都是在传递一种胸怀、思想和心境。这正体现了李泽厚所言:「美是有意味的形式」。

如果说,境界的高低决定了词的格调,那么从唐诗到宋词审美趣味的变化,就可见时代背景在诗词歌赋上的烙印。

一生之中,少年才气发扬,遂为唐体;

晚节思虑深沉,乃染宋调。

宋词,作为文学的一大巅峰,大大拓宽了情感表达的分辨率。

2

宋 | 山水画卷

真正让中国传统绘画大放异彩,走向成熟并影响至今的辉煌时代,当属两宋。

宫廷美术全盛,画院规模齐备,名家层出不穷,艺术思潮活跃,作绘画品精湛。

从唐到宋美学发生质变。

唐代绘画偏重人物,宋代则偏爱山水。

唐酷爱大红青绿的鲜艳之色,宋则偏好黑白水墨的淡雅之姿。

宋朝绘画——不仅仅是追求技术,更追求画中意境。

少了矫饰之气,多了份自然平和。

这个时期山水画最大的发展是:哲学影响了山水画的技法。

宋朝的哲学非常重视「格物」—— 认真仔细地观察事物,找出构成事物的道理。

「格物」精神运用于绘画,就是对于自然山川:

岩石的质地

水流的波纹

和树叶的季节等

都研究的极为认真细致。

如北宋范宽的《溪山旅行图》,瀑布水流从高处激流而下,而下方却只是茫茫水汽,身临其境之感扑面而来。

再比如南宋马远的《水图卷》,用十二幅画,来描绘不同水在不同地点、不同季节的表现,这都是格物的精神。

北宋初期秉承五代以来「大山大水」,无论高山林木还是江河湖海,都十分注重气势:

或峰峦浑厚、势状雄强的「高远深山」

或烟林清旷、气象萧疏的「平远寒林」

其中尤以「三家山水」李成、范宽、董源为代表。

「宋三家」对自然的理解各异其趣。《画鉴》云:「董源得山水之神气,李成得体貌,范宽得骨法,故三家照耀古今,而为百代师法」。

其中尤以范宽的代表作「溪山行旅图」最具代表性。高山肃穆庄严、矗立静止,而溪水却潺潺流动、动静结合,透出一种非凡的力量,层次丰富,墨色线条力道十足,给人以身临其境之感。

「溪山行旅图」中,人只是行于大山大水里极其微小的存在,宋人深谙,人生不过广袤宇宙中的匆匆过客,所以用「行旅」而非「旅行」。

敬畏自然,留下谦卑

至北宋中后期,不再单纯讲究线条气势,而更追求一种内在神韵,既精准描绘外在形象,又充分表达内在感情。写实性的全景式山水画发展到极致。

中间有继承唐青绿山水的王希孟和赵伯驹。

山水画至南宋有所变化,恢宏气势的山水不见,更多的是针对某个特定角度展开创作,讲求秀丽和工整。

虽然少了雄浑,但小巧精致的气息扑面而来。

李唐、刘松年、马远、夏圭统称「南宋四大家」。

南宋四大家之首李唐开创山水新画风。代表作《万壑松风图》,山水开始带有强烈的感情色彩,浓郁的浪漫主义情调,带动其后山水画的留白之风与文人诗意。

而马远、夏圭则以「残山剩水」闻名,独创的「角隅」发,以边角窥全貌,取舍剪裁,水墨留白,让画面保持一种清明和空灵,营造出「此时无声胜有声」的意境。

雄奇简淡的笔法,水墨苍劲的劈皴,坚实爽朗的浅染,意境清远,回味无穷,充分的体现了宋朝绘画的极简审美。

代表作有马远《踏歌图》《寒江独钓图》;夏圭的《溪山清远图》《烟堤晚泊》等。

宋代理学倡导「格物致知」,即不试图以技艺感人,更不容流于滥情,而是以敬畏之心回应自然,在细节中体现对比之美,以理性的内省态度,追求近乎理想的真实。

走进宋画,用心体味,会被一种前所未有的美感所深深打动。

它温柔不失力量,内敛间或飘溢,和雅绝无燥气。

它极尽物态之美,简洁却不简单,于精雕细琢中张扬着自然生命的意象与精神。

3

宋 | 笔墨书法

书法作为线条的艺术,是一个时代美学的集中体现。

宋代的书法跟水墨山水画一样,不再追求宏伟壮大,更专注于表达自我,追求平淡天真,空灵素雅的意境之美。

「宋人尚意」指宋朝书法追求意境,而不拘于法度。

正如苏轼所言:「我书意造本无法,点画信手烦推求」。

宋人写字不似唐人般规规矩矩,而是自然随性。

透过书法,可以看到书写之人或激动,或悲伤,或洒脱,或潇洒的真性情。

比如宋徽宗,作为被皇帝耽误的艺术家,字和画都堪称瑰宝。

宋徽宗独创的「瘦金体」,如屈铁断金,锋芒毕露,将洒脱的性情和执着表现得淋漓尽致。

宋代著名书法家「苏黄米蔡」,即苏轼、黄庭坚、米芾和蔡襄,合称「宋四家」。

其中黄庭坚比苏轼小八岁,非常欣赏苏轼的人品和才华,两人是至交。

苏轼的字略显宽扁,柔和温暖,黄庭坚就笑言是「石压蛤蟆」;

黄庭坚的字相对细瘦,曲直相间,苏轼就打趣是「树梢挂蛇」。生动地体现了两人书法的特点。

苏轼年轻时字写的漂亮,43岁因乌台诗狱被抓,经欧阳修等极力抢救,才被贬黄州。

黄州时期写了「赤壁赋」「念奴娇」、以及唯一留下的「寒食帖」。

「寒食帖」是人生跌了一个大跟头之后所做,苏轼已不在意所谓的美,而是一气呵成自然流畅。这是人生最高境界,「别人笑我太痴狂,我笑他人看不穿」。很多东西必须在生命不同阶段去领悟。

苏轼「寒食帖」

后来黄庭坚又在「寒食帖」上题词。两大书法家并列,诠释了宋人尚意的最高典范。宋代笔法豪放而谨严,变化多端而融合;瘦硬遒劲却又刚中有柔,至今仍是世界公认最高的品格和风格。

4

宋 | 官窑瓷器

宋代是瓷业发展史上的「黄金时代」,数量和质量都堪称一流。

既有温润的定窑白釉、淡雅的龙泉梅青釉、含蓄的汝窑天青色,又有耀州窑青釉,景德镇青白瓷等等。

宋代窑口遍地开花,釉色千差万别。不同于唐三彩的鲜亮与张扬,更倾向内敛而清澈的质感,丝丝温润的暖色,观之身心安宁。

宋瓷与元瓷相比,多了分细腻;与明清瓷相比,又少了些柔媚。工艺精湛复杂,最后呈现出的效果却极其安静内敛,朴实无华。

宋人其实是用最简单的方、圆、素、朴、拙来表现质感和单纯,将美提升到极致。「雨过天晴云破处,者般颜色作将来」,就是宋人的至美追求,色调优雅,无与伦比。

犹如「大道至简」的意思,即摈弃外表的过度雕琢,而追求内在的本质之美,呈现出朴素中有内涵,简洁中有意味的至高境界。

正如苏轼用泉水比喻诗文,「绚烂之极归于平淡」,艺术也应超越简单的感官美,而上升到思想情感的境界,平淡而不枯寡。

这种「绚烂之极归于平淡」的美,在「北宋汝窑」和「南宋官窑」中体现的最为完美,含蓄冲淡的光彩细腻单纯,极致绚烂,又极致平淡。成就了瓷器审美的巅峰。

冰裂纹,本来是败笔、但宋人觉得里面有种沧桑美,经历时间后,叫开片,这是很特别的宋代美学。

素色无纹的天青色汝瓷,搭配若隐若现的冰裂纹,朴素得好似找不到欣赏焦点,但静心细观,会发现天青色的静谧配合着冰裂纹的灵动,动静结合,相得益彰,更有着器物有尽,而意境无穷的感染力。

宋人掌握了朴与拙、素与雅的完美结合,用特有的简洁造型和淡雅清新,诠释着对自然生灵的敏锐感悟力,阐述着中华文化的博大精深及艺术内涵。

从传世的梅花图、枯木山水画、冰裂纹青瓷、窑变釉瓷器来看,宋人试图让残缺变成欣赏的聚焦点,用朴、素、淡、雅、拙成就独特的审美情趣。

5

宋 | 风雅四艺

作为真正能担得起「风雅」二字的朝代,「宋代」是中国古代文明的高峰,甚至被西方誉为「东方的文艺复兴」。

宋代的文人士大夫们,追求隐逸生活,由隐逸文化自然兴起雅致的生活美学,并且在民间迅速流行。

「点茶、焚香、插花、挂画」,合称「四艺」。透过嗅觉、味觉、触觉与视觉,充实涵养与修为,将日常生活提升至艺术境界,乃宋代雅致生活的集中体现。

点茶 | 轻点香茶,悠然品茗

中国饮茶之风「兴于唐,而盛于宋」。宋代茶文化得到帝王将相、文人雅士乃至民间百工的崇尚,可谓空前繁荣。

其上承唐代精致的煎茶法而有创新,穷尽雅致的「点茶法」成为当时饮茶的主流方式。

「点茶法」不再直接将茶熟煮,而是先将茶饼压辗成粉末后置于盏中。以釜烧水,微沸初漾时以水注点,随即用「茶筅」快速击打,使茶水充分交融,混合成乳状再饮用。

所谓:「上有所好,下必甚焉」。

皇帝酷爱点茶,百姓自然跟风,传世诗文可知苏东坡、陆游等名士也都对点茶赞赏有加。甚至深深影响到日本的抹茶道。

除此之外,「斗茶」亦是宋代茶事的一大活动,流行于文人雅士之中。

「斗茶」以猜测茶叶产地、辨别采摘时间、分辨春茶秋茶,以及辨明点茶之水来源和品质为主。带有游戏乐趣,更有助于当时茶叶品质和点汤技艺的提高。

插花 | 理念之花,百态人生

中国插花艺术始于隋朝之前,唐朝之时已在宫廷盛行,至到宋更普及至一般文人雅士,发展极盛。

不同于唐代插花的富丽堂皇,宋的插花讲究清雅素淡,高低错落,疏密聚散,对内涵的重视更甚于形式,被称做「理念花」。

宋人还有「簪花」的习惯,不论男女,不分贵贱,上至君主大夫,下至市井小民,都以簪花为时尚,「虽贫者亦戴花饮酒相乐」。

宋朝的商家,也喜欢用插花来装饰酒店、茶坊,营造出带有些许野趣的优雅格调。

《梦梁录》记载:「汴京熟食借,张挂名画,所以勾引观者,留连良客。

今杭城茶肆亦如之,插四时花、挂名人画、装点门面」。

宋代每年春天都会举办盛大的「花朝节」,《梦粱录》记载:「仲春十五日为花朝节,浙间风俗,以为春序正中,百花争放之时,最堪游赏」。花朝节之时往往万人空巷。

焚香 | 沉馥馨香,舒解烦忧

中国历代文人墨客爱香成癖,盛唐时期调香、熏香、评香已成高雅艺术,香道文化俨然成形。宋代更将此幽静风雅之气推向极致。

上至文人雅客聚集之时,品香抚琴,吟诗作画,谈诗论道;下至庶民百姓解酒安神,熏衣待客,甚至衣着妆容,可谓无物不香。

香炭原料质地的优劣,直接影响到隔火熏香的效果,所以香碳的制作及用料十分考究。隔火片以陶或瓷为佳,可使香气更加温润纯正。甚至香灰都讲究洁净松软、疏松透气。

历代不少帝王将相、文人墨客皆惜香如金、恋香成癖,甚至有文人感叹「无香何以为聚」。苏东坡晚年与弟子就是以沉香为伴,终日焚香作赋,度过晚年。

挂画 | 行云字画,乾坤之趣

「挂画」最早见于唐陆羽《茶经》,指挂于茶会座位旁的关于茶的相关画作。

演变至宋代,宋太祖赐茶肆画图,当为饮茶挂画的始由,此后挂画题材渐渐广泛,以诗、词、字、画的卷轴为主。

从此,宋代文人雅士逐渐讲究挂画的内容和展示的形式,赏画遂成为家居鉴赏或雅集聚会的重要活动。

茶肆挂书画或茶前挂画是对品茗环境的营造,有助于饮茶之时平静内心,于画中方寸之魅,寻乾坤日月之趣。

如果说:焚香重嗅觉之美,品茶重味觉之美,插花重触觉之美,而挂画则重视觉之美。四艺合一展现宋代文人雅士风雅,韵味的生活美学。

宋代,是一段曾经的时光,更是一种气质、精神、艺术和审美,含蓄内敛而包容。

那是一种「柔」的文化,用极简、极素、极拙创造了世间大美。

如今,宋之风雅已然随历史的洪流远去,然而其中蕴涵的生活情调与审美意趣,却并未随着时代的变迁而湮灭,那是一种追求雅致,讲究品质生活态度。

不必生得惊艳,但要活得精致

宋代文人心中自有山水,笃信生命的质感,远比权力财富更具价值。

就连皇帝宋徽宗,也认为心中的山水远胜于世俗的权力。

宁静于心,而无敌于外

生命微若轻尘,只要懂得舍弃,不固执、不沉迷,生活其实可以很单纯,很悠闲,很丰富。

如今面对生活节奏的加快,我们不妨也时常像宋人一样慢下来,去发现生活中的美物、美景,也许会有不一样的“心境”。

END

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